静と動が織りなす独自の世界観
Exploring the Harmony of Stillness and Movement
繊細なファインラインと、肌の上に鮮烈に浮かび上がる「赤と黒」のコントラスト。
その独創的な世界観で、多くのファンを魅了するタトゥーアーティスト、Özge。コンテンポラリーアートや絵画をバックボーンに持ち、ジャンルを横断しながら表現を続ける彼女の手によって生み出されるデザインは、どこかシュールで、それでいて確かな温かみを湛えています。
今回は、彼女がタトゥーという表現に出会ったきっかけから、独自の色彩感覚やタトゥーに対する情熱についてお話を伺いました。
Featuring delicate fine lines paired with the striking contrast of red and black that vividy comes to life on the skin, tattoo artist Özge captivates audiences with her highly distinctive vision. With a background in contemporary art and painting, she continuously pushes the boundaries of various artistic genres. The designs born from her hands carry a certain surrealist quality, yet remain imbued with a definitive sense of warmth.
In this feature, we spoke with Özge about her journey into the world of tattooing, her unique sensibility for color, and the deep passion that drives her craft.
タトゥーを始めたきっかけ
How She Got Her Start in Tattooing
大学で絵画を専攻し、大学院では陶芸や写真を含む様々な現代美術を学んでいたÖzgeは、ファインアートの道を歩んでいました。そんなある日、父親から「お前にタトゥーを彫ってほしい」と言われます。彼女がすでに絵を描いていたため、わざわざ他の彫り師を探す必要はないと父親は考えたのです。最初は、タトゥーが本当に自分が心から好きになれるものかどうかも分からず、彼女はためらっていました。
「そしたら父が『タトゥーマシンを買ってあげるから』って説得してきたんです。それを聞いて、私は笑って、とりあえずやってみることにしました。結局、父はタトゥーマシンを一度も買ってくれませんでしたけどね（笑）でも、父には2つタトゥーを彫りました。」
父親が最初にそのアイデアを提案し、サポートがあったからこそ、彼女はタトゥーの世界へと第一歩を踏み出す自信が持てたのです。
「ある日、父から『その大好きな絵を、紙じゃなくて肌に描いてみたらどうだ？』と言われたんです。キャンバスが肌なら、自分が描いた絵がその人と一生一緒にいられるんだよ、と。その言葉が心に残り、私のアーティストになるきっかけとなりました」
「タトゥーと一緒に自分自身も成長してきた」と語る彼女の作品は、常にクライアントの人生に静かに寄り添っています。
Having majored in painting at university and studied diverse contemporary art forms—such as ceramics and photography—in graduate school, she was already walking the path of fine art. Then one day, her father approached her with an unexpected proposal: he wanted her to give him a tattoo. At first, she says she hesitated a little, unsure if she could truly come to love tattooing.
“Then my father said, ‘I’ll buy you a tattoo machine, so please tattoo me.’ Hearing that, I smiled and agreed to give it a try.”
As it turned out, her father didn’t end up buying the machine, so she beganAt first, she was hesitant, unsure whether tattooing was something she could truly come to love.
“Then my father convinced me by promising to buy me a tattoo machine. Hearing that, I smiled and agreed to give it a try. In the end, he never bought me the tattoo machine—but I did give him two tattoos.
Looking back now, she is incredibly grateful that she learned tattooing and that her father first suggested the idea and encouraged her. His support gave her the confidence to take her first step into the world of tattooing.
Özge Kul『Bits and Peace』2025年6月
タトゥーやデジタルアートの表現を取り入れた、歴史の残響を現代の視覚的表現へと織り込んだ作品群を発表。主に古代中東の神話、獣や神々をを現代のイラストレーションと、伝統的なモザイク技法を融合させて表現。過去と現在が繊細なバランスで共存している世界を表現している。
Özge Kul “Bits and Peace” June 2025
Introducing expressions of tattooing and digital art, she has released a group of works that weave the echoes of history into modern visual expressions. She mainly expresses ancient Middle Eastern myths, beasts, and gods by fusing modern illustration with traditional mosaic techniques. She expresses a world where the past and the present coexist in a delicate balance.
タトゥーアーティストとしてのキャリアを築く一方で、彼女は現代アーティストとしての探求も続けました。その集大成となったのが、アメリカ・フィラデルフィアで開催された自身初の個展です。そこで彼女はモザイク作品を発表しました。それまでに築き上げてきたタトゥーのキャリアは、彼女の多様な芸術活動へと融合していきました。
While developing her career as a tattoo artist, she continued her exploration as a contemporary artist. This culminated in her first solo exhibition in Philadelphia, USA, in which she showcased a series of mosaic works. The tattoo career she built had become intergrated into her multidisciplinary art practice.
黒と赤、肌が生み出す温度
The Warmth Born from Black, Red, and Skin
オズゲの作品の代名詞となった黒と赤の配色は、最初から計画されていたわけではありません。そうではなく、時間をかけて実験的な試みを重ねるなかで発展していったものです。
タトゥーを始める前、彼女は色を扱うことよりも、ペン、鉛筆、木炭などを使ったドローイングに主に興味を持っていました。その結果、彼女の初期のタトゥーはほとんどがブラック＆グレイでした。その後、彼女はデザインにおいて自分が大切にしていた「シンプルさ」や「自由な解釈の余地（オープンさ）」を損なうことなく、作品に単色（ひとつの色）を取り入れる方法を模索し始めたのです。
「写実主義（リアリズム）にはあまり興味がなくて、むしろ見る人が自由に解釈できるようなイメージを作りたかったんです。そのちょうどいいバランスを見つけるまでには、たくさんの試行錯誤が必要でした」
模索を重ねる中で、彼女は墨のぼかしと、鮮やかな赤を組み合わせることが、肌の持つ温もりを完璧に引き立てるということに気づきました。そして時間を経るごとに、この配色が彼女の作品を定義する重要な要素となっていったのです。
あらかじめ決められたコンセプトに従うのではなく、彼女のスタイルは、ドローイングを軸としたアプローチと、タトゥーという表現媒体への絶え間ない探求を通じて、少しずつ進化を遂げてきました。
The black-and-red palette that has become a signature of Özge’s work was not planned from the beginning. Instead, it developed through experimentation over time.
Before tattooing, she was primarily interested in drawing with pen, pencil, and charcoal rather than working with color. As a result, her early tattoos were mostly black and grey. Later, she began exploring ways to introduce a single color into her work without losing the simplicity and openness she valued in drawing.
“I was less interested in realism and more interested in creating images that leave room for interpretation. Finding the right balance took a lot of experimentation.”
Through experimentation, she found that the use of grey-wash, combined with vivid red perfectly excentuated the warmth of the skin. Over time, this palette became a defining element of her work.
Rather than following a predetermined concept, her style evolved gradually through a drawing-based approach and ongoing exploration of the medium.
解剖学との調和、生きているデザイン
Harmony with Anatomy, Living Designs
彼女のポートフォリオを眺めると、大きめの作品（ビッグピース）が優美に目を引きます。その背景には、タトゥーを通じて「身体の解剖学的構造（アナトミー）」を引き立てたいという独自のこだわりがありました。
私はタトゥーを、肌の上に独立した小さなデザインをポツンと配置する行為だとは思っていません。デザインの中に抽象的な要素を取り入れながら、人間の身体が持つ筋肉のライン、骨の美しさ、そして動きそのものとデザインを融和させて、まるでタトゥーが身体と『一緒に生きている』かのような一体感を生み出したいんです。そのためには、ある程度のサイズ感が必要になります
時には人間の骨のラインを花の枝へと置き換え、時には筋肉の膨らみを鳥の身体のフォームに見立てて融合させる。以前手がけた背中の彼岸花の作品も、その部分の身体の美しさを補完するように筋肉のラインに沿って配置されていました。肌の上に独立したデザインを置くのではなく、身体そのものを別の美しい何かへと変化（移行）させるような感覚。だからこそ、彼女の作品には肉体を包み込むだけのスケール感が必要不可欠なのです。
When looking at her portfolio, her larger pieces (big pieces) elegantly catch the eye. Behind this is her unique commitment to enhancing the “anatomical structure (anatomy) of the body” through her tattoos.
“I don’t see tattooing as the act of just placing a small, isolated design alone on the skin. While incorporating abstract elements into the design, I want to blend it with the human body’s muscle lines, the beauty of the bones, and movement itself to create a sense of unity—as if the tattoo is ‘living together’ with the body. To achieve that, a certain scale and size become necessary.”
Sometimes she replaces the lines of human bones with the branches of flowers, and at other times, she merges the curvature of muscles with the form of a bird’s body. The spider lily piece she previously created on a client’s back was also placed along the muscle lines to complement the inherent beauty of that part of the body. Rather than placing an independent design on the skin, it is a sensation of transforming (shifting) the body itself into something else beautiful. This is precisely why a sense of scale capable of embracing the physical body is essential to her work.
シュルレアリスムから見える動と静
The Motion and Stillness Seen Through Surrealism
Özgeの表現を語るうえで、サルバドール・ダリやルネ・マグリットといった画巨たちの「シュルレアリスム（超現実主義）」からの影響は切っても切り離せません。けれど、彼女が彼らの名画から受け取った最も深いエッセンスは、奇妙なモチーフの組み合わせではなく、そこにある「独特の静けさ（静寂感）」でした。
「私がシュルレアリスムを表現するとき、一番大切にしているのは『静けさ』なんです。風も吹かず、空気さえ存在しないかのような感覚。すべてが完璧に静止して、時間という概念すらもが消えてしまったかのような世界」
When discussing Özge’s artistic expression, the influence of Surrealism from great masters like Salvador Dalí and René Magritte is inseparable. However, the deepest essence she drew from their masterpieces was not the bizarre combination of motifs, but rather the “unique sense of stillness” within them.
“When I express Surrealism, what I value most is ‘stillness.’ It’s a sensation as if no wind is blowing, and even the air itself doesn’t exist. A world where everything is perfectly suspended, and even the very concept of time seems to have vanished.”
At the core of her tattoos lies this overwhelming silence—one that breaks the rules of reality and conventional stereotypes of “how things should be,” while allowing the contrast of opposing concepts to coexist. It is likely because of this underlying philosophy of stillness that her favorite motif, the “bird,” carries an air of mystery while bearing a multitude of meanings and surrealistic emotions.
“A aging tattoo is just like a scene from an old anime or a faded photograph. The artwork slowly blends into the client’s skin, and as time goes by, it gains an even deeper character and atmosphere. I believe that this process itself is the true charm of my work.”
彼女はスマートフォンの画面にマグリットの『貫かれた時間』を映し出し、無機質な部屋の暖炉から蒸気機関車が突如として現れながらも、そこには煙や凄まじい音が一切存在せず、完璧な静寂のなかに佇んでいる不思議さについて語ってくれました。その絵画と同じように、彼女も本来なら激しく動いているはずのモチーフの動きを、あえて意図的に「止める」のだと言います。「時間が凍りついたような感覚（フローズン・フィーリング）が好き」と語る彼女。
Showing Magritte’s Time Transformed on her smartphone screen, she explained her inspiration drawn from how a steam locomotive suddenly emerges from a fireplace into a sterile room, yet remains captured in absolute silence without any smoke or roaring sound. Just like that painting, she intentionally stops the movement of motifs that are naturally meant to be in motion. She shares that she “likes the sensation of time being frozen (frozen feeling).”
現実のルールや「こうあるべき」という固定観念を壊し、相反する概念のコントラストを同居させる圧倒的な静寂こそが、彼女のタトゥーの本質にあります。お気に入りのモチーフである「鳥」が、多くの意味やシュルレアリスム的な感情を背負いながら神秘的な気配を纏うのも、この静寂の哲学が根底にあるからでしょう。
This overwhelming silence—which breaks reality’s rules and stereotypes of “how things should be,” while allowing contrasting concepts to coexist—lies at the very core of her tattoos. The reason why her favorite motif, the “bird,” carries an air of mystery while bearing many meanings and surrealistic emotions is likely because this philosophy of stillness lies at its foundation.
枠を超えた先へ、新たな挑戦
Beyond Boundaries: A New Challenge
現在の赤と黒、そして有機的なモチーフの組み合わせによって、すでにアーティストとしての確固たるシグネチャーを確立しているÖzge。けれど、一人の現代美術家である彼女の視線は、すでにその枠組みのさらに先へと向けられています。今後はさらにシュルレアリスムの純度を高めた作品を作っていきたいと語る彼女ですが、その新しい前兆として、最近、新しいインクを手に入れたことを嬉しそうに教えてくれました。
「実は、最近『青いインク』を手に入れたんです。これからは、赤の代わりにこの鮮やかで美しい青を肌の上でどのように表現できるか、新しく練習と挑戦を始めていきたいと思っています」
これまで赤が担ってきたあの鮮烈なアクセントが、もし深く美しい「青」に置き換わったら、肌の上でどのような新しい化学反応が起きるのでしょうか。現実を壊し、新しい世界を構築していく彼女の実験は、ここ東京のスタジオでも止まることはありません。肉体とアートが交錯する境界線で、次はどのような作品が紡ぎ出されるのか、今から期待に胸が高鳴ります。
Through her current combination of red, black, and organic motifs, Özge has already established a firm signature as an artist. Yet, as a contemporary artist, her gaze is already fixed far beyond that existing framework. While she expresses a desire to create pieces with an even higher purity of surrealism in the future, she happily shared a new sign of this evolution: she recently acquired a new color of ink.
“Actually, I recently got some ‘blue ink.’ From now on, I want to start practicing and challenging myself to see how I can express this vivid and beautiful blue on the skin instead of red.”
If the striking accent that red has carried until now is replaced by a deep and beautiful “blue,” what kind of new chemical reaction will occur on the skin? Her experimentation—breaking reality to construct a new world—never stops, even here at the Tokyo studio. At the intersection of the physical body and art, anticipation builds for what kind of artworks she will weave next.
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